Einlass 20:00 Start 21:00

KING HANNAH (UK / City Slang)

+ Support / tba

Hannah Merrick’s recollection of how she and Craig Whittle first set about turning ambition into reality is typically down-to-earth. “I remember wanting a band,” she says, “and that was that. The first thing was to get a guitarist, and that was Craig. But it was never, ‘Let’s just jam’. Instead, as soon as we had our songs together, it was, ‘Let’s build on this. Let’s put a band around it.’” And ‘this’, as others might say, is how the magic began.

A level-headed but determined outlook is one of KING HANNAH’s most endearing characteristics, and forming a great band was truly, for both Merrick and Whittle, a long-held but patiently nursed ambition. “I’d always had King Hannah in my head as a name,” Merrick, who was born and raised in Wales, says, “even before I met Craig.” Whittle, meanwhile, had harboured dreams of making music with Merrick ever since he’d seen her perform at a gig in Liverpool, where he lived and she’d come to study. It took another two years until they actually met, and, even after they’d encountered one another while working at the same pub they didn’t rush into anything. One thing they knew intuitively, though, was that, if it was right, they’d know it was right. And, over time, it turned out it was right. Absolutely, unquestionably right.

I’M NOT SORRY, I WAS JUST BEING ME is the proof, its dozen songs full of darkness and wit, mesmerising and thrilling in equal measures. Indeed, titles are rarely more impeccably chosen than the one KING HANNAH have given their full-length debut. At once a humble clarification and a stubborn challenge, it not only sums up the duo’s single-minded vision and their determination to remain true to themselves, but also offers a glimpse of the wry, knowing humour lurking in the shadows of the record. Without this, of course, it might on occasions seem bleak. It opens, for instance, with ‘A Well-Made Woman’, Merrick teasing out a sinister walking guitar line to the rattle of a voodoo rhythm while Whittle whips up a growing storm of feedback. It ends, furthermore, with ‘It’s Me And You, Kid’, whose muffled melancholy is torn apart by waves of growling guitars first beckoned by a ‘Creep’-like twitch, with Merrick chanting – in defiance or resignation, it’s hard to say – “I’m all I’m ever gonna be” till it hurts. In short, it sounds at times like dusty jukebox 7” singles from the late 1950s played at half speed, and at others like it’s Cowboy Junkies forced to play The Trinity Sessions at knifepoint with a pounding whiskey hangover. Hello, darkness, our old friend.

In case things might start to feel a little oppressive, however, Merrick’s there to lighten the tone, sometimes uneasily, sometimes playfully, often both at once. After all, as she counsels on ‘The Moods That I Get In’, “If you do not like what I’m singing about / Well, then you really do not have to listen / You can just turn me off”. I’M NOT SORRY, I WAS JUST BEING ME, in other words, is an ideal title for a collection of songs which invite us in warmly but on their terms alone. In fact, like 2020’s introductory mini-album, Tell Me Your Mind And I’ll Tell You Mine, it displays that most elusive yet vital of contemporary qualities: honesty.

This is evident first and foremost in Hannah Merrick’s bewitching delivery of pithy, carefully weighted lyrics. Sometimes they gather a fine dust of poignancy simply by leaving so much unsaid, while what’s left packs an undeniable punch as well. On ‘It’s You And Me, Kid’, she delivers perfectly pitched affection – “I thank God / The day we met in the gross bar” – while ‘Go-Kart Kid (Hell No!)’ offers an engaging, sepia-tinted snapshot of lessons learned during Merrick’s youth from her “Granny and Taid”. As for her apology, amid the song’s Crazy Horse peregrinations, for ‘The Moods That I Get In’, its tenor is expertly shifted from contrite to cautiously unrepentant, her critical question – “Have you considered asking why?” – delivered afterwards in hushed fashion, almost as a postscript. It is, some might say, enough to make you think.

Then there’s her straightforward, brutal honesty, as on the brave, brooding ‘All Being Fine’, in which Merrick recalls – with a quintessential lack of self-censorship – the banality of attempts to resolve her persistent bedwetting. “We saw a nurse multiple times / She said, ‘You’ll grow out of it in no time / All being fine, all being fine’”. It’s not a topic one sees addressed often, even more rarely with candour, but Merrick isn’t one to revel in self-pity. I’M NOT SORRY, I WAS JUST BEING ME is spotted with dark humour and gentle nudges alike, whether “Big Big Baby”’s cold-blooded urge to watch a former friend choke on a dumpling – “At least that would be mildly fun” – or the convivial reference to Steve Carell on the title track. “We don’t take things too seriously,” Whittle points out. “We love Bill Callahan, Kurt Vile and Courtney Barnett, and they have that bleakness, but there’s also a light in there, a self-awareness. Everything needs to have that balance. Maybe things are really, really shit, but you can laugh about it too.”

This kind of mixed but – that word again – honest messaging is another characteristic of KING HANNAH’s beguiling work. Because, while Merrick may stand centre stage, there is no KING HANNAH without Craig Whittle. His poised guitar arrangements and refined, contoured playing are crucial to each song, reflective of the duo’s respect for the potency of economy, yet stamped with an unfeigned miscellany of influences. “We want the music to sound raw and natural, not produced to within an inch of its life,” he says. “It needs to breathe and sound like people are in a room.”

Nonetheless, it sounds simultaneously like a mythical American landscape, one into which, when Whittle was younger, he longed to escape, though his is a notably pre-Americana United States imagined by more lugubrious bands with a sparing touch, like Red House Painters, Mazzy Star, Smog and Idaho. (A Springsteen fixation is well documented, too, though it rarely creeps into his work. Certainly, ‘Ants Crawling on an Apple Stork’, which Whittle also sings, is instead more akin to Codeine.) True to his roots, however, this is then all filtered through Whittle’s experiences as a Briton, lending the duo’s arrangements grittier qualities sometimes associated with PJ Harvey’s early recordings, or elsewhere with Portishead, whether their first two album’s alchemy of vintage sounds or their later, more abrasive work. There are, for instance, inspired, unexpected echoes of Dummy’s ‘Biscuit’ in ‘Foolius Caesar’ and Third’s ‘We Carry On’ in ‘Big Big Baby’s menacing climax. Merrick’s voice, meanwhile, smoulders, blending Beth Gibbons’ vulnerability with Nico’s mystery and Hope Sandoval’s sophistication, finding poetry in the prosaic as she sets torch songs alight.

If the magic began when they first got together, when Merrick and Whittle chime – which they do repeatedly on this debut – is where the magic actually happens. Written and then recorded with additional musicians Ted White, Jake Lipiec and Olly Gorman in just eight months – “I remember writing down all our songs on the back of my door when we first started,” Merrick confides casually, “and thinking, ‘I can do better than that’” – I’M NOT SORRY, I WAS JUST BEING ME is a bold, memorable, even startling document of a dream shared, an ambition fulfilled and a vision realised. No wonder the album ends with Whittle’s elated fuzz-guitar solo guiding us home after Merrick’s chant of “I’m all I’m ever gonna be.” There’s no mistaking this for resignation at all. It’s definitely defiance. Succinctly stated, effectively communicated, admirable, honest defiance: this is our destiny. Like KING HANNAH’s songs, it endures and inspires. Not that they’ll ever show off. That’s just not their style.

… Leopard, erfrischender Indie-Rock, eine noch unbekannte, dynamische Band mit gesellschaftlich/politsch cleveren und witzigen Texten!

Einlass 20:00 / Start 20:30

LEOPARD, Berlin

Support: CAVA, Berlin / Info unten anschliessend …

LEOPARD: Gegründet von den Sängern, Gitarristen und Songschreibern Lars Paprotta und Christian Dangel, komplet+tiert von Achmed Zmero am Bass und Raul Neddermeyer am Schlagzeug, ist LEOPARD pünktlich zum Beginn eines neuen Jahrzehnts angetreten, um sich mit Krallen aus eingängigen Gitarrenriffs, einem sanften Fell aus Melodien und leuchtenden Augen voller ehrlicher Texte durch das von Ironie verseuchte Dickicht der postmodernen Pop-Musik zu kämpfen. Das Ziel: Make Rock‘n‘Roll a threat again!

Anzuknüpfen an die Zeiten, als Gitarrenmusik noch Bedrohung, Versprechen und Befreiung Befreiung war. Als alles möglich schien. Als alles möglich war. Warum? Weil noch immer alles möglich ist. Und auch immer sein wird.

Im Juni 2020 haben LEOPARD ihre Debüt-EP MYSTERIUM veröffentlicht: Vier Songs zwischen Post-Punk, Indie-Rock und Pop, zwischen Liebe und Abfuck, aufgenommen undproduziert in der Tonbrauerei Berlin.

Das Release-Konzert spielte die Band als Solidaritäts-Konzert auf einem Berliner Häuserdach gegenüber der JVA Moabit – zur Freude der Insassen, zum Leidwesen der Wärter und der Polizei – und verband dies mit einem Spendenaufruf für Opfer rassistischer Polizeigewalt.

NunNun erscheint am 11. Juni 2021, fast auf den Tag ein Jahr später, die nächste EP, die den Titel „Blaulicht“ trägt. Aufgenommen und produziert wurde diese ebenso wie „Mysterium“ von Matthias Neu in der Tonbrauerei Berlin. Darauf zu hören sind fünf schräge und krachende aber nicht minder eingängige Banger, die lautstark die neuen 20er Jahre begrüßen, irgendwo zwischen Pandemie und dem Anbruch einer neuen Zeit.

Bitte ohne Weltkrieg diesmal.

LEOPARD / bandcamp

CAVA ist ein Berliner Garageduo, das sich im März 2020 formiert hat. Musikalisch bewegt sich CAVA zwischen Garage Rock und Punk. Neben einer wilden Mischung an lauten, dreckigen Gitarrenriffs und schrillem Feedback finden auch melodischer Gesang und zweistimmige Harmonien Einzug in ihre Songs. Der DIY-Charakter, die Experimentierfreude und die Liebe zur Musik stehen dabei immer im Vordergrund. In ihren Texten finden sich sehr persönliche Geschichten als auch politischen Motive, die ebenso abwechslungsreich sind wie ihre Musik. Themen wie Spinnen und Mansplaining finden auf absurde Art und Weise zusammen, ohne dass es an Ernsthaftigkeit mangelt

CAVA / bandcamp

Nitzer Ebb (USA/UK – Mute Records)
+ Special Guests:
Spit Mask (Aufnahme + Wiedergabe)
Philipp Strobel (Aufnahme + Wiedergabe)

Bon Harris, David Gooday und Leadsänger Douglas McCarthy waren noch Teenager als sie im englischen Chelmsford in der Grafschaft Essex begannen zu Musik machen. “Wir waren Schulfreunde und liebten Postpunk-Bands wie Killing Joke, Theatre Of Hate, Bauhaus, The Banshees, Cabaret Voltaire, Virgin Prunes, The Birthday Party, Abwärts und Malaria. Nachdem wir diese Bands live gesehen hatten, dachten wir das können wir auch, erinnert sich Douglas McCarthy. Um einen Namen zu finden, der möglichst deutsch klang, ohne aber wirklich Sinn zu machen, warfen sie Zettel mit Silben in einen Hut und herauskam “Nitzer Ebb”. Für das Artwork ließen sich die Jungs von russischem Konstruktivismus inspirieren und ihr martialisches Auftreten mit Reithosen und Stiefeln rundeten das Bild ab. Beeinflusst von DAF lehnten sie von ihrem Demo und der darauffolgenden Single “Funny how your Body Works”, die noch auf ihrem eigenen Label Power of Voice Communications, Gitarren ab, arbeiten rein elektronisch und wurden so zu den Urvätern der EBM-Szene. Die Schockwellen, die sie aufs Parkett schickten, strahlten bis ins ferne Detroit und beeindruckten mit ihrer rohen Energie nachhaltig auch den jungen Derrick May.

Im November 2021 ist die deutschsprachige Fassung von Vivien Goldmans Buch »Die Rache der She-Punks – Eine feministische Musikgeschichte von Poly Styrene bis Pussy Riot« im Ventil Verlag erschienen. Sie war Mitbegründerin der New-Wave-Band The Flying Lizards, arbeitete als Musikjournalistin, Produzentin und Songwriterin. Heute lehrt Goldman in New York zu Punk, Afrobeat und Reggae.

Da die Geschichtsschreibung von Punk eine überwiegend männliche ist, war eine »Rache der She-Punks« längst überfällig. Verfasst wurde diese feministische Abrechnung von keiner geringeren als der Post-Punk-Pionierin Vivien Goldman, die aufgrund ihrer Arbeit als Musikerin und Musikjournalistin eine Insider-Perspektive besitzt. Entlang vier Themenfeldern – Identität, Geld, Liebe und Protest – begibt sich die »Punk-Professorin« auf die Suche nach empowernden Momenten, die Punk speziell für Frauen birgt.

Goldman schreibt viele ihrer Punk-Genossinnen in den Kanon hinein; für das Buch hat sie ausführliche Gespräche u. a. mit Patti Smith, Tamar-kali, Poly Styrene und Kathleen Hanna geführt. »Die Rache der She-Punks« zeichnet eine feministische Musikgeschichte, in der die weiblichen Perspektiven im Punk mit all ihren Gemeinsamkeiten und Differenzen ihren Platz finden. Wie sich diese Geschichte anhört, zeigt eine Auflistung thematisch passender Songs zu jedem Kapitel, die den Soundtrack zu Goldmans Ausführungen bilden.

Die Rache der She Punks

Und hier ein Interview mit ihr, das kürzlich im Deutschlandfunk lief …

https://www.deutschlandfunk.de/women-to-the-front-vivien-goldman-ueber-feministische-musikgeschichte-dlf-8d22ada5-100.html

Der Mann (Staatsakt/Berlin)

Präsentiert von der taz, ByteFM & Kulturnews

Wir schreiben das Jahr 2022. DER MANN melden sich zurück. Acht Jahre nach ihrem Debütalbum „Wir sind der Mann“rufen Ramin Bijan, Maurice Summen, Michael Mühlhausund Johannes von Weizsäckermit ihrem neuen Album „TOP“: „Wer auch immer uns vermisst hat: Wir sind wieder da!“DER MANNsindalso wieder auferstanden. Damit passt die Band nicht nur dem Namen nach vorzüglich in eine Welt, in der ein großer Teil derselben den Ablauf eines Jahres noch immer am Geburtstag eines einzelnen, vor mehr als zwei Jahrtausendengeborenen und ständig wiederauftauchenden Dudes ausrichtet, der für die Sünden der Welt gestorben sein mag, aber bekanntlich nicht für die Sündenvon Patti Smith, und ziemlich sicher auch nicht für die von DER MANN…DER MANN passenbestens in eine Zeit, in der sich die Menschen vor lauter fundamentaler Unsicherheit und einem daraus erwachsendenBedürfnis nach dem Gewohnten in ein Spiegelkabinett des schon Bekannten begeben haben, in demfortwährend alles Mögliche und Unmöglicheder 70er, 80er und 90er läuft und nur ganz manchmal etwas Gutesvon heute. Alles Retro, oder was? Oder ist „Retro“ gar das neue „heute“?DER MANN haben sich jedenfalls musikalisch und visuell dafür entschieden, den Zeitpunkt Ende der 1970er und Anfang der 1980er zu umarmen. Das Cover: in der Ästhetik von Heaven 17s „Penthouse and Pavement“. Die dazu passenden Lifestyle-Accessoires: Kreditkarte, Rolex und Rolodex. Dieser DER MANN ist möglicherweise ein Yuppie. Auch so ein Wiedergänger, nur sieht der heute aus wieChristian Lindner und kommt auch schon mal im Hoodie daher. Verwirrende Zeiten.Was die musikalischen Ausdrucksformen angeht, hätten Gitarre, Schlagzeug, Bass und Synthesizer eventuell genauso auch schon vor 40 Jahren gespielt werden können. Und auch wieder überhaupt nicht, denn die Kunst von DER MANN besteht unter anderem auch darin, das Alte völlig neu zu deuten und zu denken.Denn DER MANN diskutierenauf „TOP“vor allem Oberflächen-Phänomene, und das so tiefsinnig wie ironisch, mitunter gar sarkastisch–immer aber lustvoll!Im flotten Opener „SUV“und dem zum Offbeat schunkelnden „Bewertungslied“etwa geht um das fortwährende Hypen, Herum-Meinen und Raunen in den sozialen Medien. Dasnachdenklich-sanfte „Country, Western, Coaching & Consulting“oder derPostpunk-Boogie-Hybrid „Peyote Retreat”singt von psychedelischen Techniken, die mal subversiv waren, mittlerweile aber von Konzernen zur Mitarbeitermotivation und Umsatzsteigerung aufgesogen wurden. Und immer und vor allem geht esum –denStaat! Einen Staat, der sich mit Fördergeldern und Stipendien eine Subkultur leistet, die sich dann überlegen kann, ob sie die Hand, die sie füttert, überhaupt noch interessiert, ob sie nun gebissen wird oder nicht. „Rock’n’Roll & Sozialstaat”lautet einer der zentralen Tracks von DER MANN, und wenn die hiesige Welt eine gerechte wäre (also eine politisch wie ästhetisch sensible und diskursive), würde „Rock’nRoll & Sozialstaat“ein Nummer 1-DER MANNAlbum:“TOP”(Staatsakt/Bertus/Zebralution, 6.5.2022)

Hit und würde im, ähem, „Staats“radio, also im Öffentlich-Rechtlichen Rundfunkrauf und runter laufen. Aber ach, dieVerhältnisse, sie sind nicht so, und niemand weiß davon so genau zu singen und sagen wie DER MANN: Spätkapitalismus, Staatspop und Social Media.Kritische Überlegungen und groovy Strategien zwischen roter Ampel und Cambridge Analytics.„Im Herz schmeißtdu Steine / Im Kopf bist du müde“.Die ganze, vielleicht unausweichliche Ambivalenz unseres Daseins wird von DER MANN beschrieben. Doch hier finden sich keinewohlfeilenHandlungsanweisungen, kaum einAusweg, die Rebellion ist zwischen dem Falschen und dem Falschen verlorengegangen. DER MANN ist keinjunger Aufrührer mehr, DER MANN ist Ende 40, Anfang 50, also genau in dem Alter, in dem die Kinder für gewöhnlich ausdem Gröbsten raus sind und zu Hause etwas Ruhe einkehrt. Aber der Rücken und die Knie machen noch gut genug mit, dass er jetzt den Gipfel seiner Schaffenskraft(und vielleicht sogar Barrikaden) erklimmen kann. Er ist erfahren und altgedient genug, um in der Firma in die C-Suite aufzusteigen. Als CEO weiß er, dass er nicht mal besonders viel Glück hatte, geschweige denn sich besonders anstrengen musste, sondern einfach nur so gut wie allePrivilegien auf seiner Seite hatte. Was ihm zunehmend unangenehm wird.Denn DER MANN ist sich wie schon Schubert und Uhlandbewusst: „Nun muss sich Alles, Alleswenden!“„Wir sind total privilegiert“, sagt Maurice Summen, und meint damit durchaus auchdenanhaltenden Untergrund-Status seiner Männer-Band. „Aber wir haben recht wenig daraus gemacht.“ Bisher, ist man geneigt hinzuzufügen. Aber das wird sich nun möglicherweise ändern. DER MANN und die Welt hätten es verdient…* * *In DER MANNsind eine Reihe von (Ex)-Mitgliedern von einigen der feinsten und wichtigsten (nicht nur) Indie-Bands tätig, zum BeispielvonDie Türen, Baked Beans, Erfolg sowie Ja, Panik, The Chap und Blumfeld. Sänger Maurice Summenund Bassist Ramin Bijanmachen seit ihrer Teenager-Zeit, also seit mehr als dreißigJahren, zusammen Musik und sind das Gravitationszentrum von DER MANN. Dazu kommen Michael Mühlhaus, Johannes von Weizsäckerund der Berliner TOP-Drummer Moritz Baumgärtner. Und bei den Konzerten im September darf sich das Publikum noch auf eine exquisite Rhythm Section mit Renu Hossainund Jarita Freydankfreuen.Aber auch die Künstler und Designer Helmut Krausund Sebastian Kaltmeyersind erneut dabei, und zwarals Band-Mitglieder, die bei DER MANN für das Visuelle zuständig sind.Vielleicht sind DER MANN gar ein zukunftsweisendes artsy Kollektiv?* * *

„Der Mann präsentiert uns die unglamouröseste Kunstfigur der Popgeschichte:Das rechnerische Mittel des mittelalten, mittelschönen, in seiner Hypernormalität schon wieder verstörenden, ja, freakishen Mittelschichtmannes…“(Jens Friebe)

Gefördert durch die Initiative Musik gemeinnützige Projektgesellschaft mbH im Rahmen von Neustart Kultur mit Projektmitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien

VR SEX (USA / Dais Records)

+ SPECIAL GUEST TBA SOON

Einlass: 19 Uhr, Beginn: 20 Uhr

Mit Andrew Clinco von Drab Majesty begrüßt die Grey Scale-Gemeinde einen alten Bekannten, der sich für VR SEX Noel Skum nennt und sich mit Z. Oro (Aaron Montaigne von Antioch Arrow/Heroin/DBC) als Sänger und Schlagzeuger und Mico Frost (Brian Tarney) an Synthesizern und E-Bass eine schlagkräftige Synthpunk-Taskforce organisiert hat, deren zweites Album „Rough Dimension“ im März erschien. Wo anders als in der dystopischen Kulisse von Los Angeles zwischen Rags und Riches könnte diese Musik entstehen? Auf „Walk of Fame“ zollen sie allen Tribut, die dort nach den Sternen greifen und allzu oft auf dem Weg zum Ruhm auf der Strecke bleiben. Musikalisch gingen VR Sex auf Spurensuche und ließen sich von Wire, Sister of Mercy oder My Bloody Valentine inspirieren.

Die Zukunftsvisionen, die Noel Skum vertritt, erinnern an Aldous Huxley’s Brave New World aber auch an Woody Allens Sci-Fi-Kömodie “Der Schläfer“ So glaubt Skum an die Stabilisierung der Gesellschaft und die Erhaltung unseres Planeten durch die Reduzierung der Anzahl der Fortpflanzungswilligen. Durch PSRS (Procreation Simulation Reproduction Stimulation) könnten die Menschen ihre hedonistischen Gelüste ausleben. Die Zukunft unserer Nachkommen wird in virtuellen Welten stattfinden und das Bevölkerungswachstum wird stabilisiert werden.

https://www.facebook.com/events/741790687189439/

Obwohl die Band Mutter immer wieder betont eine normale Rockband zu sein, entzieht sie sich seit inzwischen über 30 Jahren und 13 Alben erfolgreich jeder Festlegung. Die taz bezeichnet sie als ein „Mysterium deutscher Rockgeschichte“, Diedrich Diederichsen unterstellt ihnen eine “extrem entwickelte Konzeptualität”, andere sprechen von missverstandenem Diskurspop, Collagenkrach oder benennen ihre Kneipe nach der Band (Mutter). Die Texte von Max Müller sind kleine, manchmal lakonische, aber immer präzise beobachtete Alltagsgeschichten, die gerade wegen ihrer schroffen Unmittelbarkeit sprachliche Kunst sind. Die Band ist dabei selten explizit politisch, vielmehr ist es ihr dringlicher Vortragsstil und ihre musikalische Kompromisslosigkeit und ihr DIY Ethos, in der sich ein lautes Nicht-Einverstandensein mit den Verhältnissen ausdrückt.

Einlass 19 Uhr | Beginn 20 Uhr

Einlass: 19 Uhr, Beginn: 20 Uhr

HIDE (USA / Dais Records)

HIDE are an electronic duo based in Chicago. The pair create dark and heavy sample-based compositions using a combination of self-sourced field recordings and various pop culture and media references. Their music is textured, minimal, and powerful, giving raw vulnerability a chance to unfurl. Their work is honest, confrontational, powerful and thought-provoking.
HIDE’s third album, Interior Terror (Dais Records, 2021) further abandons traditional concepts of song structure in favor of splintered rhythms and fevered, immediate release. Expanding on previous themes of autonomy and empowerment, Interior Terror addresses and questions the corporeal and immaterial body in a physical and metaphysical sense. Turning to the dread inside, reflecting on the world around us, HIDE gives voice to the power of destruction as a catalyst for hope, and to the collective experiences of those who’ve come before us as a wellspring of our own power. Raw vocal delivery of mantra-like prose issued forth yields a raging, plaintive wail that lulls, mocks, questions, proclaims and decries. A dearth of collected field recordings give way to more fluid arrangements while retaining a scathing urgency. The result is minimal, spacious, and jarring; a distant knocking grown into the pulse of a hypnotic dirge, drones emerge from shards of decomposed sound, bending, seething their way through your body.

“Chicago-based industrial duo Hide take their stark sounds to a far darker and more malevolent space”

— Chicago Reader

CLOUD RAT (US / Artoffact Records)

Over the past ten years, Cloud Rat has established itself as one of the most compelling bands in the underground. Over a staggering number of releases – four full-length albums, eleven EPs and splits, a live album, and various other comps, in one decade – the Michigan band has made a name for itself via sheer emotion and musical freedom. NPR Music called Cloud Rat’s 2013 album, Moksha, “a feral, fearsome and fearless piece of work.” Noisey described a live show in 2015 with these words: “Cloud Rat is one of those rare bands whose music connects instantly, painfully – you feel the words, the riffs, and the all-consuming cacophony deep within the marrow of your bones, vibrating out into a hostile world.” Emerging from the space where hardcore punk spirals into grindcore, Cloud Rat is that and so much more. The band knows no limits and incorporates influences from across the map – black metal, noise, doom, goth, folk, and beyond – all while retaining its realness and urgency.

In May 2021 Cloud Rat released a brutal eight-minute long track “Mother Tongue ~ Glitter Belly” via the Adult Swim Singles series.

This recording was the first time the band had reunited since February of 2020, one month before the COVID-19 pandemic would shut down the entire United States and most of the world. The duality of the track was inspired by the pandemic, as it attempts to capture the chaos and conflicted emotions of many people across the globe.

Cloud Rat’s latest studio album Pollinator came out in 2019 via Canadian Artoffact imprint

“Cloud Rat has succeeded leaving us with an album that’s at once a call to action and a bloom of creativity in the field of extreme music”

— TOILETOVHELL

https://www.facebook.com/events/554499942891397

Xeno & Oaklander (USA / Dais Records)

+ SPECIAL GUEST: Bad Hammer (GER / Italian Island)

Einlass 19 Uhr, Begin 20 Uhr

„Musik lässt mich an einen Duft denken, der mich an ein Bild denken lässt, das mich an ein bestimmtes Licht denken lässt.“ So ganz einheitlich beschreibt die französisch-norwegische Konzeptkünstlerin Liz Wendelbo, den Ansatz den sie mit ihrem Partner Sean Mc Bride als Xeno & Oaklander verfolgen. Deswegen hat Liz 2014 sogar ihr eigenes Parfum „Eau de Xeno“ herausgebracht. So werden bei einer Xeno & Oaklander-Show alle Sinne und Synopsen auf scharf gestellt. Seit 2004 schrauben sie in ihrem Brooklyner Studio an ihren analogen Synthies und Drum Machines und haben es nicht nur zur Speerspitze des Cold Waves geschafft, sondern ein ganzes Genre wiederbelebt und in den USA populär gemacht. Immer wieder überraschen auf ihren Album Songs mit Italo Disco und Pop-Elementen, die den Wave aufbrechen, bevor es zu ernst wird. Nach ihrem Debüt auf Xanten veröffentlichten sie die Alben “Sentinelle” und “Sets & Lights” auf Wierd, bevor sie bei Ghostly International ihre musikalische Heimat fanden und Labelmates von Matthew Dear, Com Truise, Gold Panda und Adult. wurden. Ihr aktuelles Album „Vi/Deo“ erschien vergangenes Jahr auf Dais. Auch im Video zu ihrer aktuellen Single „Poison“ schlägt sich ihre Vorliebe für Italo und Horrorfilme nieder und so dürfen wir jetzt schon freuen die New Yorker in der Roten Sonne begrüßen zu dürfen.

GUERILLA TOSS (Sub Pop/U.S.A.)

Dig deep enough inside yourself – start treating your body as your sanctuary rather than your enemy – and eventually you’ll find yourself blooming right back out into the sun. That’s the transformation Guerilla Toss trace on their newest album Famously Alive, their effervescent Sub Pop debut. After a decade sprinkling glitter into grit, building a reputation as one of the most ferociously creative art-rock groups working, the upstate New York band have eased fully into their light. This is Guerilla Toss at their most luminescent – awake, alive, and extending an open invitation to anyone who wants to soak it all up beside them.

Singer and lyricist Kassie Carlson, multi-instrumentalist Peter Negroponte and guitarist Arian Shafiee wrote Famously Alive at home in the Catskills during the pervading quiet of the pandemic year. The uncertainty of COVID-19 lockdowns and the total disruption of routine forced Carlson to negotiate with herself in new and challenging ways. “You have to be with yourself all the time during the pandemic,” she says. “I had to figure out a way to manage my anxiety. The pandemic was hard, but it helped me get comfortable inside my own body. My peace of mind came out of being thrust into the deepest shit. This album is all about being happy, being alive, and strength. It’s meant to inspire people.”

The album’s title derives from a poem written by a close friend of the band, Jonny Tatelman, who supported Carlson through the early stages of her recovery from opiate addiction. The poem comprises the entirety of the lyrics to the title track, an exuberant ode to loving your own survival and charting a course into unconditional self-acceptance. “The song ‘Famously Alive’ is about living with purpose and excitement whether you’re famous or not, accepting your strangeness and thriving even if your successes look different than other people’s,” notes Carlson. “To me, ‘Famously Alive’ means flipping the notion of dying famously to living famously,” Negroponte adds. “I also like to think of it as a way to describe living through something traumatic and coming out of it a stronger, wiser person.”

Songs like the expansive, gleaming “Live Exponential” similarly invite the listener to lean into the light. “It’s about loving yourself and finding a way to be comfortable in your own body – to live life to the fullest and beyond,” says Carlson. Throughout the record, Guerilla Toss meet themselves with curiosity, generosity, and acceptance even for the harder parts of being alive. Opener “Cannibal Capital,” a song about the exhaustion and dread of social anxiety, came together in a flurry toward the end of the album’s sessions. A taut bass groove erupts into competing squalls of guitar and synth that support one of the most immediate and arresting vocal hooks of Guerilla Toss’s catalog to date.

Together with guitarist Arian Shafiee, Carlson and Negroponte cultivated a sound that spliced together psychedelic texturing and Krautrock syncopation with the gloss and glow of contemporary pop music. “I like to combine as many musical influences as possible,” says Negroponte. “We thought the sleekness of current radio pop would make our dense wall-of-sound aesthetic both more bizarre and more accessible and fun at the same time.” Carlson was similarly inspired by a wide range of artists from around the world after diving deep into obscure 7-inches for her weekly show on Radio Catskill, Rare Pear Radio.

While writing the album, Carlson took voice lessons online for the first time. Though she has been singing since she was four years old, at first with a vocal harmony group in her family’s church, she hadn’t formally trained her voice since joining Guerilla Toss. The lessons allowed her to deepen and broaden her range, helping her feel more embodied and connected to her voice. Underneath ripples of Auto-Tune, playful, searching vocal melodies suspend lyrics about reaching for yourself and holding fast in your own love.

Famously Alive finds Guerilla Toss coming into the fullness of their power, celebrating their prismatic idiosyncrasies from a place of optimism and abundance. “It felt like I didn’t need to force myself into this dark place to create anymore,” Carlson says. “For the first time in my life, I feel like I’m finally comfortable inside my body.”